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Thomas Lanier Williams III (Columbus, Misisipi, 26 de marzo de 1911-Nueva York, Nueva York, 25 de febrero de 1983),
Tennessee Williams: el hombre que puso los deseos homosexuales en escena.
George Cukor: La reina de Hollywood.
George Dewey Cukor (Manhattan, Nueva York, 7 de julio de 1899-Los Ángeles, California, 24 de enero de 1983)
El armario de Hollywood es una trampa singularmente seductora: los homosexuales que han logrado hacer carrera en la industria cinematográfica (la mayoría son hombres y pocos de ellos se han identificado alguna vez como gays) han disfrutado durante mucho tiempo de una libertad relativa, aunque claramente limitada. Como hay pocos secretos dentro de los confines chismosos del mundo del cine, su orientación sexual rara vez pasa desapercibida entre sus compañeros de trabajo. Pero mientras nunca cuestionen el statu quo sexual (lo que significa, por supuesto, mantener su vida privada discretamente oculta a la prensa y al público), se los ha tolerado a regañadientes.
Los homosexuales de Hollywood llevan mucho tiempo justificando su situación afirmando que su vida privada no afecta a su trabajo. Pero, si bien a menudo han tenido dificultades para mantener separados los dos mundos, el establishment heterosexual gobernante no ha operado bajo las mismas restricciones.
George Cukor era un caballero homosexual de la vieja escuela. El cortés y prolífico director de cine que murió en 1983, dejando tras de sí más de 50 películas, entre ellas joyas de la época dorada de Hollywood como “Camille”, “Historias de Filadelfia” y “La costilla de Adán”, hizo todo lo posible por seguir las reglas, incluso cuando las reglas no le iban bien a él.
Aunque su homosexualidad era un secreto prácticamente a voces, Cukor, siempre consciente de que cualquier violación pública de la cláusula estándar de “depravación moral” de los estudios podría costarle su carrera, no cuestionaba las reglas imperantes en su época. Bajaba la guardia sólo en compañía de un círculo de amigos de confianza a los que apodaba “la unidad principal”, y organizaba fiestas privadas en la piscina los domingos por la tarde que eran descaradas reuniones solo para chicos; el resto de la semana, volvía a su papel de “hombre extra”, un simpático compañero de cena que siempre se sentaba al lado de la esposa de un magnate o de una de sus actrices célebres. Sin embargo, cuando llegaba el momento decisivo, una vida de discreción no podía protegerlo de lo que hoy se reconocería como homofobia flagrante.
En lo que seguramente será su revelación más comentada, Patrick McGilligan cuenta en su penetrante nueva biografía, “George Cukor: A Double Life”, que Cukor fue despedido de “Lo que el viento se llevó”, la película más famosa jamás realizada, porque su estrella, Clark Gable, explotó en el set: “¡No voy a dejar que me dirija un hada! ¡Tengo que trabajar con un hombre de verdad!”. La historia había circulado durante mucho tiempo dentro del círculo social de Cukor de que, cuando era joven, Gable había tenido una vez un encuentro sexual estando borracho con el actor de cine mudo convertido en decorador William Haines, uno de los amigos de Cukor. Cuando otro de los íntimos de Cukor comenzó a bromear indiscretamente diciendo que “George está dirigiendo uno de los viejos trucos de Billy”, Gable, que ya temía que Cukor pudiera inclinar la película a favor de Vivien Leigh, montó en cólera.
El rumor fue lanzado por primera vez en 1984 por el director Kenneth Anger, quien se dedicaba a las habladurías en Hollywood Babylon II. Pero los muchos relatos posteriores sobre la tempestuosa realización de la película se han mantenido al margen de todo el asunto desagradable, atribuyendo el despido de Cukor a los crecientes desacuerdos entre el meticuloso director y el entrometido productor de la película, David O. Selznick. Aunque McGilligan no descarta las diferencias creativas genuinas que existían entre los dos hombres, sugiriendo que una explosión probablemente era inevitable, ofrece evidencia convincente de que el arrebato de Gable fue el factor crucial que obligó a Selznick a actuar. Cukor nunca cuestionó su despido y, de hecho, ocultó sus verdaderas causas a todos, excepto a sus amigos más confiables. El incidente no debe ser descartado como un simple chisme excitante: no solo proporciona una pieza crítica de motivación para uno de los despidos más notorios en la historia de Hollywood, sino que también ilustra dramáticamente la imposibilidad de vivir una doble vida.
La reticencia de Cukor ante una injusticia tan flagrante sólo puede entenderse en el contexto de su época, y McGilligan hace un trabajo minucioso y sensible de reconstrucción del entorno del director. Cukor, que llegó a la mayoría de edad en una época lejana en la que “dejar caer un pañuelo” servía como eufemismo para referirse a ser gay, simplemente compartimentó su vida. Su finca de seis acres sobre Sunset Plaza fue famosa durante los años 30 y 40 por las brillantes listas de celebridades que iban desde Greta Garbo y Aldous Huxley hasta Simone Signoret y Henry Miller, a quienes Cukor entretenía. Pero una vez que los invitados abandonaban sus formales almuerzos dominicales, el director preparaba un bufé de sobras junto a la piscina y comenzaba a llegar un desfile de jóvenes en constante cambio. Como una vez lo bromeó la baronesa d'Erlanger: “El señor Cukor organiza todas estas maravillosas fiestas para damas por la tarde. Luego, por la noche, ¡vienen hombres traviesos a comerse las migajas!”.
Su vida emocional estuvo igualmente dividida: si bien parece que desarrolló pocos vínculos con ninguna de sus parejas sexuales, mantuvo amistades profundas y duraderas con personalidades como Vivien Leigh, Somerset Maugham, Spencer Tracy y, sobre todo, Katharine Hepburn. Aunque en el fondo bien pudo haber sido un hombre solitario, logró llevar una vida envidiablemente plena.
Nacido en Nueva York en 1899 de padres inmigrantes húngaros, Cukor, con gafas y sobrepeso, rechazó una posible carrera en derecho en favor del teatro. Acampado en una serie de teatros de repertorio de verano en Rochester, Nueva York, de 1922 a 1928, rápidamente progresó de regidor a director. Su respeto por el texto, su amor por los personajes teatrales, su habilidad para transformar a sus compañeros de trabajo en una familia extensa –todos ellos rasgos distintivos de su posterior carrera cinematográfica– se formaron durante esos veranos tranquilos.
En 1929, cuando Hollywood hizo la accidentada transición al cine sonoro, Cukor, que ya se había hecho un nombre modesto en Broadway, fue atraído al oeste para trabajar como director de diálogos, ayudando a los actores con dificultades para pronunciar sus líneas. Al parecer, la cámara en sí nunca le interesó demasiado; incluso en la cima de su carrera, solía dejar que su camarógrafo encuadrara una toma. Lo que más disfrutaba era dar vida a una escena: dedicaba atención a los decorados y al vestuario; a diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, prefería tener al guionista a mano para las revisiones de último minuto del guión; disfrutaba ensayando con sus actores. Sus críticos a veces criticaban que sus películas fueran demasiado teatrales, pero dentro del artificio gentil de creaciones como “Dinner at Eight” o “Holiday”, Cukor creó entretenimientos repletos de un estridente sentido de la comedia agridulce de la vida.
La imponente Metro-Goldwyn-Mayer, donde pasó la mayor parte de su carrera, originalmente presentó a Cukor como un “director de mujeres”. La intención era un cumplido, ya que el estudio le confió sus joyas de la corona como Greta Garbo, Joan Crawford y Norma Shearer. Y era cierto. Desde sus días en el escenario, Cukor demostró una relación especial con las actrices. Sabía cómo engatusarlas, consolarlas y halagarlas, y ellas a su vez se encariñaban con sus atenciones. Como explica el director Joseph L. Mankiewicz: “Una mujer podía venir a su set y estar absolutamente segura... Con los otros directores, siempre estaba ese momento: ¿Me va a intentar coquetear?”.
Cukor no sólo se preocupaba por las interpretaciones de las actrices, sino que también prestaba atención a cómo se escribían sus papeles. Identificándose, probablemente de manera inconsciente, con las restricciones a las que se enfrentaban las mujeres, con frecuencia desafiaba los estereotipos sexuales. En particular, en las diez películas que hizo con Hepburn, sus heroínas favoritas eran espíritus fogosos e independientes. A pesar de las restricciones del código de producción, Cukor a menudo reconocía sus deseos sexuales con un guiño cómplice, al igual que se resistía a sentimentalizar el matrimonio como la única salvación de la mujer.
Con el tiempo, sin embargo, empezó a sentirse molesto por la etiqueta de “director de mujeres”. Lo que debería haber sido visto como su gran punto fuerte se convirtió en una desventaja, lo que limitó el tipo de películas que le ofrecían. Con el tiempo, incluso llegó a servir como una referencia codificada a su orientación sexual. Pauline Kael desestimó cruelmente su última película, “Rich and Famous” de 1981, una comedia amplia sobre la amistad femenina, como “fantasía homosexual”. Fue una crítica injusta, un eco de la crítica perniciosa que también se ha dirigido a artistas homosexuales como Tennessee Williams y Edward Albee por crear heroínas extravagantes que se niegan a encajar en el molde femenino convencional. Cukor, profundamente herido, nunca respondió. Habiendo intentado adaptarse a la ortodoxia sexual de su época, se quedó sin una defensa propia.
En sus últimos años, Cukor luchó con la idea de escribir una autobiografía, pero su arraigado sentido de la privacidad inhibió sus esfuerzos. En efecto, la biografía de McGilligan es la defensa que Cukor nunca pudo decidirse a escribir. Mucho más que una simple “exposición” póstuma, le da a Cukor todo el reconocimiento que se merece como director tanto de estilo como de ingenio, cuya larga carrera es aún más impresionante dada la doble vida que se vio obligado a vivir. El Cukor público sin duda se habría horrorizado ante las revelaciones de McGilligan, pero el Cukor privado, conocedor y sofisticado, bien podría haber apreciado su sinceridad empática.
Vincente Minnelli (nacido Lester Anthony Minnelli; Chicago, Illinois; 28 de febrero de 1903 - Beverly Hills, California; 25 de julio de 1986)
Vincente Minnelli: el legendario director que ocultó su sexualidad.
Se le recuerda como uno de los grandes cineastas de la década de 1940, pero sus biógrafos clave creen que también fue un ejemplo temprano de un hombre homosexual o bisexual que trabajaba en un entorno poco tolerante.
Se le recuerda como uno de los grandes cineastas de la década de 1940, pero sus biógrafos clave creen que también fue un ejemplo temprano de un hombre homosexual o bisexual que trabajaba en un entorno poco tolerante.
Vincente Minnelli es ampliamente conocido por dirigir espectaculares musicales, comedias y melodramas teatrales y cinematográficos, así como por ser padre de Liza Minnelli con la igualmente talentosa Judy Garland, a quien conoció en el set de Strike Up The Band (1940) y de quien se enamoró en el set de Meet Me in St. Louis (1944). Se casó cuatro veces y tiene dos hijos, por lo que tiene un segundo legado sorprendente y profundamente satisfactorio, uno de los cuales, discutiblemente, es el de un hombre homosexual encubierto.
En ciertos círculos, Minnelli es reconocido sin que se debata su homosexualidad. En otros, estas afirmaciones son ampliamente desestimadas y cuestionadas. En palabras de Mark Griffin en A Hundred or More Hidden Things : “A pesar de que Minnelli estaba casado con Judy Garland y otras tres mujeres… se daba por sentado que era un hombre homosexual encerrado en el armario que, debido al condicionamiento social de su época, se sentía obligado a casarse y procrear”.
¿De dónde surgió entonces este legado y cómo ha sobrevivido tan tenazmente en los años transcurridos desde su muerte?
Una de las principales protagonistas de los rumores fue la mencionada primera esposa, Garland. En otros extractos del libro de Griffin aparecen relatos de que Garland estaba "paranoica" por el vínculo de Minnelli con su compañero de trabajo, el siempre apuesto y encantador Gene Kelly. Con los rumores de que Kelly tenía sentimientos por un doble masculino, esta teoría parece tener sus propias bases.
Ya sea que Kelly y Minnelli hayan tenido un romance o no, las teorías han surgido de múltiples fuentes. Minnelli era tremendamente extravagante y adoraba el lado estilístico del drama, y sus confidentes más cercanos supuestamente "nunca dudaron de su verdadera identidad". Si bien su propia autobiografía, I Remember It Well , logra evitar hábilmente el tema, otros autores se han tomado la libertad de levantar el velo.
Junto a Griffin, el legendario crítico de cine Emanuel Levy profundizó en el complejo legado del director con la primera biografía completa de Minnelli en 2009. Parece haber una gran cantidad de evidencia que apunta al hecho de que Minnelli era abiertamente gay en Nueva York, antes de que una mudanza a Hollywood lo obligara a volver al armario.
Levy caracteriza a Minnelli como alguien que tiene "una sexualidad problemática" en una entrevista con Advocate , y además afirma que cree que Minnelli "eligió volverse bisexual". A pesar de que esta entrevista tiene poco menos de una década, la última afirmación parece siglos más anticuada. Por mucho que podamos entender que Minnelli no "eligió" volverse gay, debemos saber que no eligió alterar su sexualidad inherente para estar con las mujeres que era.
O bien Minnelli fue bisexual toda su vida, lo descubrió o cambió dentro de sí mismo a lo largo de su vida y carrera, o la opción más triste de todas: que un director, artista y ser humano adorado en todo Hollywood vivió la mayor parte de su vida oculto.
Se sabe que Minnelli se reinventó a sí mismo desde sus humildes comienzos, hijo de un director musical de un teatro de campaña y artista de gira, hasta convertirse en una imagen preconcebida y "esnob" de lo que era ser un artista. Esta reinvención, que se adentra en la extravagancia por la que se lo recuerda con tanto cariño, también puede haber catalizado su reinvención en la imagen de un hombre heterosexual aceptable.
La historia recuerda las carreras de hombres cuya imagen se ha visto moldeada por su salida del armario, Freddie Mercury y Elton John, por nombrar sólo dos inmortalizados recientemente en biografías cinematográficas. Levy habla con franqueza, quizá con dureza, y con un aire de autoridad, de Minnelli y Garland. Esta autoridad con la que un hombre desconocido para ambos puede hablar de un matrimonio que terminó hace casi siete décadas es un ejemplo de una teoría común, compartida por mí, sobre el posible encierro en el armario de Minnelli.
Jane Fonda le dijo a Levy: "Podíamos consumir drogas y tener orgías y no había prensa". Sin embargo, como Levy continúa señalando, un estudio con el que trabajaba Minnelli se enojó porque él usaba maquillaje, después de lo cual dejó de hacerlo inmediatamente. Por más fácil que sea creer que en un mundo anterior a Internet y, en cierta medida, anterior a los paparazzi, un hombre abiertamente gay como Minnelli podría haber encontrado más fácil escapar del escrutinio, esto es una fábula.
Minnelli, cuyo verdadero nombre era Lester Anthony, procedía de una familia de ascendencia mixta: francocanadiense por parte de su madre y revolucionarios sicilianos por parte de su padre. Los derechos de los homosexuales avanzaban lentamente en Estados Unidos y, discutiblemente, aún más lentamente en Europa central. Cuando la Asociación Estadounidense de Psiquiatría diagnosticó la homosexualidad como "un trastorno sociopático de la personalidad" en 1952, Minnelli no solo se arriesgó a perder la reputación social y familiar, a perder su carrera y a divorciarse como consecuencia de salir del armario, sino que también se arriesgó a ser internado en una institución.
Minnelli pasó gran parte de su vida evitando las especulaciones sobre su sexualidad, y sin embargo, estas lo han seguido más allá de la tumba. Así como Marilyn Monroe pasó la vida acosada por la enfermedad mental de su madre y tratando de evitarla, la vida de Minnelli ha sido acechada por un espectro. Los legados de Mercury y John antes mencionados son inamovibles de su sexualidad.
Como producto de una generación mucho más antigua, el secretismo de Minnelli al menos permitió que su legado se viera empañado por la duda y no fuera la marca permanente de otros personajes similares. Con historiadores, críticos y aficionados por igual capaces de especular sobre migajas de pan, ¿cuánto cambiaría su legado con todo el pan? El secretismo de Minnelli permitió que su arte hablara en gran parte por sí mismo, lo que estoy seguro de que era su intención.
¿Cuántos gigantes más de la historia se vieron obligados a vivir en las sombras por una sociedad demasiado rezagada para poder alcanzarlos?
Desde su muerte hasta la década de 1960, la sexualidad de Valentino no fue cuestionada en general en la prensa. Al menos cuatro libros, incluido Hollywood Babylon, sugirieron que pudo haber sido homosexual a pesar de su matrimonio con Jean Acker y Natasha Rambova. De hecho, los matrimonios con Acker y Rambova, así como la relación con Pola Negri, solo sirven para aumentar la sospecha de que Valentino era gay y que estos eran "matrimonios lavanda", ya que todos han documentado relaciones lésbicas. Dichos libros dieron lugar a afirmaciones de que Valentino tuvo una relación con Ramón Novarro, a pesar de que Novarro afirmó que apenas se conocían.
Hollywood Babylon cuenta que Valentino le había regalado a Novarro un consolador de estilo art déco, que fue encontrado metido en su garganta en el momento de su asesinato. Tal regalo no existía.
Estos libros también dieron lugar a afirmaciones de que pudo haber tenido relaciones con sus compañeros de habitación Paul Ivano y Douglas Gerrad, así como con Norman Kerry, el actor francés abiertamente gay Jacques Herbertot y André Daven. Sin embargo, Ivano sostuvo que no era cierto y que tanto él como Valentino eran heterosexuales. Los biógrafos Emily Leider y Allan Ellenberger generalmente coinciden en que lo más probable es que fuera heterosexual.
Otra supuesta prueba de que Valentino era gay son los documentos que se encuentran en el patrimonio del difunto autor Samuel Steward, que indican que Valentino fue su pareja sexual. Sin embargo, posteriormente se descubrió que las pruebas encontradas en la afirmación de Steward eran falsas, ya que Valentino se encontraba en Nueva York en la fecha en que Steward afirmó que tuvo lugar un encuentro sexual en Ohio.
Y se rumoreaba que había empuñado un arma durante más tiempo incluso que su nombre.
Pero la prensa, y los hombres en general, no querían aceptar este sueño antiamericano. Fue ridiculizado como un "polvo rosa". El consenso es que Valentino probablemente era gay. Pero hay quienes no están de acuerdo. El historiador de cine Kevin Brownlow es uno de ellos. En uno de los pasajes más extraños jamás escritos por un académico serio, Brownlow, que nació muchos años después de la muerte de Valentino, nos dice que el Latin Lover no podía haber sido así, ya que tenía sentido del humor. ¿Eh?
George Maharis (Queens, New York; 1 de septiembre de 1928-Beverly Hills, 24 de mayo de 2023)
Cuando el rompecorazones de los años 60 George Maharis fue expulsado de 'Ruta 66' por ser gay.
A principios de los años 60, no había un galán más sexy que George Maharis, que coprotagonizó con Martin Milner la serie de viajes por carretera "Route 66". La exitosa serie siguió a la pareja mientras viajaban por Estados Unidos en la ruta que va desde San Luis a Los Ángeles, creando una serie antológica de sus hazañas. De la pareja, Buzz Murdock (Maharis) era más de la Generación Beat que el más convencional Tod Stiles (Milner), y lo convirtió en el galán del dúo.
Pero después de tres temporadas, Buzz desapareció. "Maharis atribuyó su marcha a razones de salud (sufría hepatitis), pero Karen Blocher, autora y bloguera que lo entrevistó a él y a otras figuras principales del programa, escribió en 2006 que la historia era más compleja", informa el New York Times el domingo en su informe sobre su muerte a los 94 años en Los Ángeles.
Buzz estuvo ausente en varios episodios al final de la segunda temporada. Regresó para el comienzo de la tercera, pero se ausentó nuevamente porque se dice que sufría un "ecovirus". Buzz y Tod se comunicaron por correo electrónico y teléfono, antes de que Buzz fuera eliminado de la serie y reemplazado por Lincoln Case (Glenn Corbett) en marzo de 1963. Case es un veterano del ejército de los Estados Unidos del conflicto de Vietnam, atormentado por su pasado.
Herbert B. Leonard, el productor ejecutivo del programa, "pensó que había contratado a un joven galán para el programa (Maharis), un hombre atractivo, moderno y un buen actor que atraería a todas las chicas", escribió Blocher. "Todo esto era cierto en el caso de Maharis", continuó, "pero no toda la historia, como Leonard descubrió para su enojo y consternación. Resultó que George era gay".
El Sr. Maharis fue arrestado en 1967 acusado de "conducta lasciva" y en 1974 acusado de "perversión sexual" por frecuentar baños de hombres.
El Times añade que Blocher atribuyó la marcha de Maharis a una serie de factores. "Los productores se sintieron traicionados y engañados cuando se enteraron de la orientación sexual de Maharis y nunca volvieron a confiar en él", escribió, y añadió: "Maharis, por su parte, empezó a sentir que era él quien llevaba la voz cantante y que no lo apreciaban".
No habló de su sexualidad en entrevistas, pero describió con orgullo su papel como la modelo desnuda en la página central de la revista Playgirl en julio de 1973 en una entrevista con Esquire en 2017.
"Muchos hombres se me acercaron y me pidieron que se lo firmara a sus 'esposas'", dijo.
El Times añade que después de dejar "Route 66", Maharis apareció en largometrajes, entre ellos "Sylvia", con Carroll Baker, y "The Satan Bug", un drama de ciencia ficción, ambos de 1965. Intentó actuar en series de televisión de nuevo en 1970 como protagonista de una novela policíaca de la ABC, "The Most Deadly Game", con Ralph Bellamy e Yvette Mimieux, pero el programa sólo duró tres meses.
En los años 70 y principios de los 80, apareció como actor invitado en otras series de televisión, entre ellas "Police Story", "The Bionic Woman" y "Fantasy Island". Hizo películas para televisión ocasionales, incluida una secuela de "Rosemary's Baby" de 1976 que recibió malas críticas. Trabajó con poca frecuencia en los años 80 e hizo su última aparición en la pantalla en un papel secundario en "Doppelganger", una película de terror de 1993 protagonizada por Drew Barrymore.
Debido a conflictos de rodaje, Maharis no pudo ver los episodios cuando se emitieron. Cuando los alcanzó a ver cuando se reestrenaron en 2007, dijo: "Me sorprendió mucho lo fuertes que eran", dijo. "Por primera vez, pude ver lo que otras personas habían visto".
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El director de cine bisexual estadounidense Nicholas Ray, más conocido por Rebelde sin causa (1955) y Johnny Guitar (1954), fue un renegado talentoso e indisciplinado cuya carrera en Hollywood duró apenas dieciséis años. Ray, nacido en Wisconsin, dirigió muchas películas que exploraban las vidas de marginados solitarios que se negaban a adaptarse a los rigores de la sociedad dominante.
El actor Farley Granger y el escritor Gore Vidal, vecinos homosexuales de Ray en el Chateau Marmont de Hollywood a mediados de la década de 1950, informaron que Ray mantuvo relaciones sexuales simultáneamente con los actores principales Sal Mineo, James Dean y Natalie Wood durante el rodaje de Rebelde sin causa. Aunque se identificaba como heterosexual, se podía ver a Ray bailando con otros hombres en el Chateau Marmont. Ray dijo que no era gay porque tenía más aventuras con mujeres que con hombres. Ray también negaba su adicción al alcohol y las drogas.
El guionista británico Gavin Lambert (1924-2005) conoció a Nicholas en Inglaterra mientras promocionaba Rebelde sin causa . Seducido por Ray la noche en que se conocieron, Lambert quedó prendado de él y aceptó la invitación de Ray de seguirlo de regreso a los Estados Unidos, donde se mudó con Ray al Chateau Marmont. Nicholas le encontró trabajo a Gavin como guionista en la Twentieth-Century Fox, y Ray y Lambert vivieron juntos durante ocho meses. Lambert, que caracterizaba a Ray como un amante posesivo y errático, rompió la relación debido al abuso de alcohol de Ray y su infidelidad tanto con hombres como con mujeres.
Después de abandonar la universidad, en 1933 Ray se unió a la primera comunidad de participantes en Taliesin (Wisconsin) de Frank Lloyd Wright. Después de ocho meses, Wright, intensamente moralista, expulsó a Ray por actividad homosexual. Ray se mudó a Nueva York y conoció a la escritora Jean Evans, con quien tuvo un hijo, Anthony (Tony), en 1937. En 1941, el FBI había abierto un expediente contra Ray, debido a sus inclinaciones socialistas y su asociación con afroamericanos. En 1944, Ray se vio obligado a renunciar a su puesto en Voice of America debido a nuevos informes condenatorios del FBI sobre simpatías políticas de izquierdas y actividad homosexual.
En 1946, Ray tuvo una gran oportunidad cuando RKO le asignó dirigir el rodaje de They Live by Night , un proyecto de cine negro para el que Ray había escrito un guion basado en la novela Thieves Like Us de Edward Anderson. Ray eligió a un grupo de actores contratados desconocidos para la película, entre los que se encontraba Farley Granger (en la foto de arriba). Aunque los avances de la película terminada obtuvieron críticas positivas en 1947, la distribución se retrasó hasta 1949, debido a dilemas de marketing. Durante este intervalo, el nuevo jefe de RKO, el bisexual Howard Hughes, protegió a Ray de comparecer ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes, lo que habría dañado su reputación personal y la reputación del estudio.
En 1948, Ray se casó con la actriz Gloria Grahame, a pesar de que Nicholas lo había apostado todo en los días previos a su boda en Las Vegas. En 1950, Ray dirigió In a Lonely Place, protagonizada por su esposa Gloria y Humphrey Bogart. Durante el rodaje de In a Lonely Place, Ray encontró a su esposa en la cama con su hijo adolescente (Tony) de su matrimonio anterior. Gloria y Nicholas se divorciaron en 1952, y Gloria Grahame finalmente se casó con Tony Ray en 1960, un acto que incitó a un escándalo público que terminó con su carrera cinematográfica. Gloria tuvo hijos tanto de padre como de hijo. No me lo estoy inventando.
En 1953, Ray compró su contrato en RKO, pero se fue a trabajar para MCA cuando no pudo establecer su propia compañía de producción. Fue allí donde Ray hizo un éxito de Johnny Guitar (1954), a pesar de los intentos de Joan Crawford de frustrar la producción. Intensamente celosa de la actriz de reparto Mercedes McCambridge, Crawford insistió en que las escenas de McCambridge se redujeran a favor de un papel ampliado para ella. Crawford destruyó el vestuario de McCambridge y amenazó con abandonar Sedona, Arizona, donde se filmó la película. Aunque Crawford se impuso y Ray se vio obligado a hacer ajustes, entregó una película brillante con fuertes tendencias de género. Su éxito crítico y comercial fue superado por Rebelde sin causa , estrenada el año siguiente.
El actor homosexual Sal Mineo interpretó a Platón, un personaje que fue quizás el primer adolescente gay mostrado en la pantalla. Ray había querido incluir una escena en la que James Dean y Mineo se besaran, pero los cautelosos ejecutivos de Warner Bros. descartaron esa idea. Estrenada poco después de la trágica muerte de James Dean, Rebelde sin causa fue una de las películas más taquilleras de la década y, con diferencia, la película de mayor éxito comercial de la carrera de Ray.
Ray parecía encaminado a convertirse en uno de los mejores directores de Hollywood, pero sus demonios personales de juego y abuso de drogas y alcohol frustraron su carrera. Sorprendentemente, en 1958 su carrera en Hollywood había terminado y Ray se mudó a Europa, donde experimentó tanto el éxito como el fracaso durante once años. Ray sufrió un ataque cardíaco en 1962 mientras trabajaba en 55 días en Pekín (1963), su último proyecto de estudio.
Al establecerse en Chicago en 1969, Ray conoció a Susan Schwartz, una estudiante que acabaría convirtiéndose en su cuarta esposa no oficial. Durante la década de 1970, Ray se estableció y enseñó cine en Nueva York. Desafortunadamente, le diagnosticaron cáncer en 1977, que le costó la vida dos años después. Durante el verano de 2010, el Archivo de Cine de Harvard presentó un ciclo de cine de un mes de duración con la obra de Nicholas Ray. El festival, presentado por Susan Ray, la "cuarta esposa" de Nicholas Ray, con quien compartió los últimos diez años de su vida, mostró las veinte películas de Ray.
Eugene Luther Gore Vidal (West Point, Nueva York, Estados Unidos, 3 de octubre de 1925-Los Ángeles, 31 de julio de 2012),
Por qué Gore Vidal se negó a identificarse como gay.
"Intentar crear categorías es muy americano, muy estúpido y muy peligroso". La negativa de Gore Vidal a identificarse como gay era coherente con la de un hombre que adoraba a la antigua Grecia, pero que no estaba en sintonía con los tiempos en los que vivía.
En una entrevista a Gore Vidal para el London Times en 2009, sugerí que, si hubiera logrado su máxima ambición, habría sido el primer presidente gay de Estados Unidos. Vidal replicó: "No, me habría casado y habría tenido nueve hijos. No creo en esos términos excluyentes". De hecho, no creía en eso: Vidal, que murió en 2012, creía en los actos sexuales homosexuales (de los que, sin duda, disfrutaba con los prostitutos), pero no en los homosexuales. Y dijo que era bisexual, aunque sus relaciones con las mujeres, aparte de sus primeros titubeos, no eran sexuales, aunque eran profundas con las más cercanas a él, como Joanne Woodward y Claire Bloom. Dijo que él y su pareja, Howard Austen, no habían tenido relaciones sexuales durante la mayor parte de su relación de 53 años. Nunca salió del armario; la idea de hacerlo era un anatema para él.
En sus ensayos, sin embargo, Vidal escribió a favor de la libertad y la igualdad sexual y en contra de los prejuicios. Su La ciudad y el pilar, publicada en 1948, fue una de las primeras novelas modernas de temática gay. Era un radical y un inconformista, pero no participó en las marchas del Orgullo y, a pesar de las peticiones de su sobrino Hugh Steers, Vidal nunca se pronunció abiertamente sobre el VIH y el sida.
Vidal no era "post-gay" antes de su tiempo; era producto de una generación de hombres homosexuales que se mostraban reticentes a definirse por miedo y otras razones personales. En mi libro In Bed With Gore Vidal: Hustlers, Hollywood, and the Private World of an American Master , analizo cómo la vida privada y la sexualidad de Vidal se entrecruzaban con su identidad pública.
El novelista Edmund White cree que la máxima de Vidal de que "no existe tal cosa como ser gay, sólo actos sexuales gay" coincidía con las teorías de Michel Foucault, un amigo de White. "Creo que Gore estaba profundamente arraigado en la investigación del período clásico", dice White. "En la Grecia clásica, los hombres eran realmente bisexuales y no eran definitivamente de una manera u otra. Quería presentarse como candidato a un cargo. Tal vez su rechazo a las etiquetas también provenía de lo amargado que se sentía por La ciudad y la columna, que fue crucificada por muchos críticos. Creo que eso afectó a su forma de ver la homosexualidad en general".
Tras su muerte, el autor Adam Mars-Jones escribió que la disposición de Vidal era diferente a la de Foucault: "más libertaria que radical. Podría llegar a parecer absolutamente conservadora". Añade que, después de Stonewall, Vidal "habría sido una figura destacada del movimiento gay... con su valentía, sus habilidades con los medios de comunicación y su sentido de derecho, pero se distanció radicalmente de cualquier papel de ese tipo".
En 1950, dos años después de la publicación de La ciudad y la columna y dos años antes de la publicación de otra novela de temática gay, El juicio de Paris, Vidal escribió que el sexo homosexual era tan normal como el heterosexual y que los hombres que tenían sexo con hombres no necesitaban ser curados. Sin embargo, "el mundo reina me asusta y me deprime, y en su histeria veo todo el horror del mundo puesto de relieve".
Para Vidal, "homoerótico" significaba "deseo por el propio sexo, algo que yo, sin duda, hice mucho en mi juventud. 'Homosexual' implica en realidad organizar la propia vida en torno a él, y yo nunca lo hice y siempre mantuve abiertas mis opciones. Huelga decir que inmediatamente me catalogaron con La Ciudad y el Pilar cuando no tenía por qué haberlo hecho, y nunca me arrepentí ni un minuto. Siempre pensé que lo que importaba era mi opinión sobre los demás, no la opinión que ellos tenían de mí. Me angustiaba menos de lo que se podría pensar que me catalogaran así, pero siempre dudaba en categorizar a los demás a menos que insistieran en ello". Eso era falso: Vidal pensaba que su sexualidad había llevado a su marginación como escritor y político en potencia, y en última instancia lo había llevado a no ser elegido presidente.
Vidal afirmó que su "disputa" comenzó realmente con "la gente que dirigía The Advocate en los años 60, 70 y 80", cuando "empezaron a hablar de la 'sensibilidad gay'... Si hay una 'sensibilidad gay' tiene que haber una 'sensibilidad heterosexual', y nunca me he encontrado con eso". Vidal no explicó por qué una necesitaría la existencia de la otra; algún tipo de sensibilidad gay floreció porque la expresión sexual gay estuvo alguna vez tan proscrita. "Intentar hacer categorías es muy americano, muy estúpido y muy peligroso", dijo Vidal. Las categorías finalmente llevaron a la doctrina nazi de "No nos gusta tu categoría". En un extremo, tal vez, pero no toda categorización conduce a una matanza en masa. Para Vidal, sin embargo, "hacer una categoría significa una jerarquía de categorías, en la cima de las cuales están los procreadores, en la base están los homosexuales". El punto de vista "generalista y humanista" es que se empieza con 'Todos somos seres humanos capaces de hacer el bien y el mal'.
Vidal no "sentía realmente" que existiera un movimiento gay: "No hay nada que nos obligue. Es la opresión lo que nos obliga... y contra eso hay que luchar. No estoy a favor de aguantar tonterías". Según le dijo a su antiguo editor Donald Weise, estaba "perfectamente feliz de ser activo políticamente para conseguir que se cambiaran las leyes", aunque se remontaba a los antiguos griegos para su modelo favorito de sexualidad. Los griegos "nunca tuvieron una palabra para 'maricón' o 'lesbiana'; los conceptos no existían", dijo Vidal. "Sabían de los hombres afeminados y a veces pensaban que eran graciosos, más 'ja-ja' que raros. Sin duda sabían de lujuria; no hacían un escándalo por ello. Éste era un mundo que yo entendía y en el que me crié; era, sexualmente, extremadamente libre. La homosexualidad estaba institucionalizada, porque era útil para entrenar a los soldados, a los ladrones de Esparta en concreto. También te casabas para tener hijos... A la gente nunca se le ocurrió que serías una cosa o la otra".
La palabra homosexual, dijo Vidal, fue inventada en la década de 1890 y la palabra heterosexual en la de 1930: "Crear categorías es esclavizar al categorizado porque el objetivo de todo Estado es el control total sobre las personas que viven en él. ¿Qué mejor manera hay que categorizar según el sexo, sobre el cual la gente tiene tantos complejos?"
"No quería que lo identificaran como lo que él llamaba un 'maricón'", ha dicho su amiga Judith Harris, haciéndose eco de otros amigos. "Quería que lo vieran como lo que él consideraba un hombre 'normal'. Ser 'maricón' significaba vestirse o comportarse de una manera que no era. Consideraba que ser 'maricón' era una debilidad". Vidal gruñó insultos como "maricón". Harris dice: "Gore no quería que el establishment lo rechazara. No quería que lo vieran como un extraño o un ser diferente".
Larry Kramer entrevistó a Vidal en 1992 (sí, fue un encuentro muy interesante). Kramer comentó que nunca había visto un titular que dijera: "Gore Vidal es homosexual". Vidal respondió: "Porque no creo en eso".
"Pero Gore, tú eres gay", replicó Kramer. "Has vivido con un hombre durante 40 años o algo así, y todos los que te conocen personalmente saben que eres gay. Y creo que tú te consideras gay". Vidal respondió que él no se consideraba gay.
Kramer dijo que preferiría que Vidal "luchara por su corazón, explorando lo que significa ser un hombre gay a los 65 años en el mundo de hoy".
Vidal le corrigió: "Sesenta y siete... Nunca pensé que fuera gran cosa".
Kramer le imploró a Vidal: "Sólo te queremos, con todo el corazón y en toda su extensión -si me permites el juego de palabras- en nuestro equipo".
"Estoy en tu equipo", dijo Vidal. "Después de todo, he estado ahí desde el principio".
Truman Streckfus Persons (Nueva Orleans, Luisiana, 30 de septiembre de 1924-Los Ángeles, California, 25 de agosto de 1984), más conocido como Truman Capote,
¿Era Truman Capote gay? La fascinante historia detrás de Feud:
Feud: Capote vs. The Swans cuenta la historia real de uno de los dramaturgos más notables de Estados Unidos, Truman Capote; ahora puedes ver la temporada 2 de Feud en Disney+ en el Reino Unido a partir de hoy (17 de abril de 2024).
Feud fue creado nada menos que por Ryan Murphy, el escritor detrás de series como Pose y American Horror Story, y la segunda temporada, Capote vs. The Swans , está basada en el libro Capote's Women: A True Story of Love, Betrayal, and a Swan Song for an Era .
Está protagonizada por Tom Hollander ( In The Loop, The White Lotus ), quien le devuelve la vida a Capote en la serie de ocho partes de FX.
El relato aborda en gran medida el deterioro de las relaciones de Capote con las élites de la alta sociedad de la ciudad de Nueva York después de que comenzó a documentar el hedonismo de sus vidas personales en Answered Prayers , y junto a Hollander, aparecen Russell Tovey , Molly Ringwald y Demi Moore.
A medida que el drama resurge con el estreno de la temporada, los fanáticos se quedan con una pregunta crucial: ¿Truman Capote era gay?
¿Qué escribió Truman Capote?
Truman Capote fue un novelista, guionista, dramaturgo y actor estadounidense mejor conocido por la novela corta Desayuno en Tiffany's y la novela sobre crímenes reales A sangre fría .
Pasó años trabajando en esto último después del asesinato de una familia en su granja de Kansas, y recibió la ayuda de su amigo de toda la vida Harper Lee, el autor de Matar a un ruiseñor.
La pareja creció junta y Capote afirmó que él era un "personaje" del libro de Lee, "que transcurre en el mismo pueblito de Alabama en el que vivíamos". Cuando eran pequeños, la pareja solía "ir a juicios todo el tiempo" e "iban a juicios en lugar de ir al cine".
¿Era Truman Capote gay?
Sí, Truman Capote era gay. Uno de sus primeros amantes fue Newton Arvin, profesor de literatura en el prestigioso Smith College, a quien Capote dedicó Otras voces, otras habitaciones .
Después de Arvin, Capote pasó la mayor parte de su vida en una relación con su colega novelista y dramaturgo Jack Dunphy. Cuando Capote murió en 1984, nombró a Dunphy como principal beneficiario en su testamento.
Una piedra conmemorativa dedicada a la pareja se encuentra junto al Crooked Pond en el Long Pond Greenbelt en Southampton, Nueva York, con la cita de Dunphy que dice: "Estaba de luto de la manera en que la tierra parece llorar por la primavera en pleno invierno, pero no tenía miedo, porque nada, me dije a mí mismo, puede quitarnos nuestros días felices".
A pesar de su sexualidad, Capote nunca abrazó abiertamente el movimiento por los derechos LGBTQ+, pero, sin embargo, su apertura lo ha establecido como una figura importante entre la comunidad.
Después de su papel de alto perfil como Truman Capote,Tom Hollander ha comentado sobre su sexualidady la razón por la que cree que ha sido elegido para una variedad de papeles homosexuales a lo largo de los años, incluido Quentin en la segunda temporada de The White Lotus y el amante de Oscar Wilde, Bosie, enThe Judas Kiss.
En una entrevista con Vanity Fair, el actor de 56 años dijo que "aparentemente cuando interpreta a estos personajes, es creíble".
"Por alguna razón, lo que soy, lo que soy como persona me permite presentarme como gay", explicó el actor.
"Sí, a veces me presento como gay", agregó, etiquetando sus propias experiencias explorando su sexualidad como "suficientemente liberales" y "no es asunto de nadie".
"Mi propia sexualidad es lo suficientemente liberal como para haber abarcado muchas experiencias diferentes, que no son asunto de nadie", agregó.
"Tienes que ser capaz de imaginar algo y hacerlo con seriedad y tomarlo en serio, abordarlo con suficiente solemnidad y verosimilitud, y luego ponerte imaginativamente en esos zapatos", dijo, señalando que con la actuación "siempre estás finyendo ser algo que no eres" .
Reparto de Capote vs. Los Cisnes
Ryan Murphy ha reunido un elenco repleto de estrellas, que incluye a Demi Moore,Naomi Watts, Diane Lane, Calista Flockhart y Chloë Sevigny, todas disfrutando de la oportunidad de interpretar a "Los Cisnes", damas de la alta sociedad que almuerzan con venganza.
SEGUIRÁ...
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